Französische Ästhetik Des 18. Jahrhunderts

2023 Autor: Noah Black | [email protected]. Zuletzt bearbeitet: 2023-11-26 16:05

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Französische Ästhetik des 18. Jahrhunderts

Erstveröffentlichung am 29. Februar 2004; inhaltliche Überarbeitung So 31.12.2006

Die Geburt der Ästhetik als Feld liegt an der Schnittstelle zwischen den Idealen der Aufklärung und den Lehren des Geschmacks: Die Vernunft wird nicht länger als Wahrheitssystem gesehen, sondern zunehmend als Fähigkeit zum Testen und Bewerten, und dementsprechend kann sie die Lehren aus nicht als irrelevant beiseite legen Gefühl und Individualität. Kunst wird zu einem starken Stimulans menschlicher sozialer Aktivitäten und zu einem unerschöpflichen Thema für philosophische Untersuchungen. Aufgrund der Vitalität seines philosophischen Hintergrunds und der Verbreitung des Französischen als internationaler Kommunikationskodex war Frankreich ein privilegiertes Labor dieser Entwicklung, sowohl ein Ort, der für mehrere Versuche und Kritiken geeignet ist, als auch ein Ort, der für die Synthese günstig ist.

1. Ein Zeitalter der Streitigkeiten
2. Gefühl und Geschmack
3. Rationalistische Widerstände
4. Vom Kenner zum Kunstkritiker
5. Kunst als Philosophie
6. Neoklassizismus und Vorromantik
Literaturverzeichnis
Andere Internetquellen
Verwandte Einträge

1. Ein Zeitalter der Streitigkeiten

Keine Periode in der Geschichte ist monolithisch. Auch wenn die bloße Unterordnung des künstlerischen Managements unter die Macht des Sonnenkönigs den Eindruck von Einheitlichkeit und Selbstsicherheit erweckt, zeigt eine genauere Betrachtung Anzeichen von Spannungen und sogar Konflikten. Und wie immer sind dies die Keime für große Veränderungen.

Einige dieser Streitigkeiten sind nur geringfügige Streitigkeiten, die durch Ereignisse von begrenztem Umfang hervorgerufen werden. Die charakteristischsten von ihnen entstanden durch kontroverse Spiele, wenn es Gründe für Streit zwischen zwei Seiten oder zwei Arten gibt, ein Urteil zu fällen. Es kann Anlass zu Problemen in Bezug auf Materie und Art geben: Wenn Corneilles erster Hit, The Cid (1636), eines der stärksten Schemata des klassischen Theaters aufstellt, dh den Wettbewerb von Liebe und Pflicht, dann in einer Form, die an erinnert Barockpoesie, die Vers- und Genreunterschiede zulässt. Später wird er in seinen Diskursen (1660) ein solches Zurückhalten von Aristoteles 'Prinzipien rechtfertigen, obwohl er natürlich nicht darum bittet, dass sie aufgegeben werden. Eine andere Situation befasst sich mit Zensur und sensiblen Themen in einer absolutistischen Gesellschaft. Ein bedeutender Fall ist Molière 's Tartuffe (1664 und 1669), weil es als Angriff auf einige falsche fromme Einstellungen in Gefahr war, als Satire der Religion selbst aufgenommen zu werden. Es ist erwähnenswert, dass es der Gesellschaft des Allerheiligsten Sakraments zwar gelungen ist, öffentliche Aufführungen zu verbieten, die persönliche Unterstützung des Königs es Molière jedoch am Ende ermöglichte, sich durchzusetzen.

Andere mögen äußerlich nur Scharmützel unter Rivalen sein, aber in der Regel verbergen sie größere Einsätze. Zum Beispiel wurde Alceste von Lully und Quinault im Januar 1674 von Musikern verspottet, die von Dingen ferngehalten wurden, und von Boileau, der den Autor des Librettos verachtete. Die Situation wurde jedoch komplizierter, als Racine im August seine Iphigénie gab. Die beiden Stücke haben anscheinend nichts gemeinsam, außer dass Euripides beide inspiriert hat. Daher geht es in der polemischen Episode weniger um die beiden Werke als vielmehr um das wahre Gefühl, die Alten zu imitieren. Man wird dann überzeugt, dass all diese mehr oder weniger professionellen Rivalitäten in eine einzige große Kontroverse fallen, die einen wichtigen Teil des intellektuellen Lebens dieser Zeit strukturiert, bekannt als Querelle der Alten und Modernen.und das ist ein verlässlicher Indikator für Einstellungen zu Kunst und Gesellschaft, deren Auswirkungen bis zum Ende des Jahrhunderts anhalten.

Die Querelle ist normalerweise in drei verschiedene Phasen unterteilt. Die erste hatte ihre Wurzeln in Italien, als Schriftsteller wie Boccalini, Tassoni und Lancelotti motiviert waren, die Errungenschaften der Gegenwart im Vergleich zum Erbe der Antike zu verbessern. Aber die Querelle erreichte in Frankreich sowohl aus politischen als auch aus kulturellen Gründen ihren Höhepunkt. Das erste, was berücksichtigt werden muss - ein wesentlicher Punkt, der in diesem Zusammenhang oft unterschätzt wird -, ist der Impuls der wissenschaftlichen Revolution: Galileos Physik ersetzt Aristoteles. Descartes spielt eine wichtige Rolle bei der Erschütterung des schulischen Denkens, und diese Tatsache hat mehr als der eigentliche Inhalt seiner Lehre weit über das Gebiet der Wissenschaft hinaus Auswirkungen. Wie Pascal es ausdrückt, verdienen es seine Zeitgenossen, wirklich Alte genannt zu werden.weil Wissen ein kumulativer Prozess ist, der es einfacher macht, im Laufe der Zeit voranzukommen und die Grundlagen zu sichern. Ein weiterer wichtiger Grund für Spannungen war die anhaltende Verwendung mythologischer Themen in Kunst und Literatur in einer Gesellschaft, die sich noch immer dem Christentum widmet. Desmarets de St-Sorlin tat sein Bestes, um zu beweisen, dass das "christliche Wunder" von gleichem Wert war; Aber seine Themen, die der Geschichte (wie Clovis) oder der Bibel (wie Maria-Magdalena) entnommen waren, waren gleichzeitig ein Akt der Treue zu einem absolutistischen Konzept politischer Macht. Aber seine Themen, die der Geschichte (wie Clovis) oder der Bibel (wie Maria-Magdalena) entnommen waren, waren gleichzeitig ein Akt der Treue zu einem absolutistischen Konzept politischer Macht. Aber seine Themen, die der Geschichte (wie Clovis) oder der Bibel (wie Maria-Magdalena) entnommen waren, waren gleichzeitig ein Akt der Treue zu einem absolutistischen Konzept politischer Macht.

Es ist gerade dieser Aspekt, der in der zweiten Phase prominent wird, wenn Perrault sein Gedicht liest Das Jahrhundert des Ludwig den Große an der Akademie am 27. Januar ^thDas Gedicht kombiniert ein beredtes Plädoyer für die Moderne (später in den vier Bänden der Parallele der Alten und der Moderne von 1688 bis 1697 entwickelt) und ein mühsames Lob an den König. An diesem Punkt verwickeln sich Ästhetik und Politik, weil Meinungsverschiedenheiten nicht hauptsächlich den Wert von Werken betreffen, sondern die Wahl einer wirksamen Politik in den Künsten. Boileau, der Verfechter der Antiken Partei, ist unerwartet auch am klarsten über die Nachteile der höfischen Haltung und verteidigt daher den "großen Stil" als einfachen Stil. Fontenelle, der neue Sprecher der Moderne, ist nicht weit von der Ansicht seines Rivalen entfernt, stellt diese Anforderung jedoch anders: Die Notwendigkeit, die Poetik von Willkür und Fesseln des Konformismus zu befreien, überwiegt die Offensichtlichkeit von Meisterwerken. Es geht um eine Verbesserung des Intellekts und der Moral, was bedeutet, Werke nicht isoliert zu betrachten oder sich an a priori Prinzipien zu halten.

Der letzte Akt, gleichzeitig in Frankreich und England, ist als "Homer-Streit" bekannt, da er aus mehreren Übersetzungen von Homers Ilias stammt, insbesondere von Anne Dacier (1699 und 1711) und Alexander Pope (1715 - 1724). Der Höhepunkt des Streits ist in Frankreich erreicht, als Houdar de la Motte eine Kurzfassung von Homers Gedicht veröffentlicht, die von angeblich datierten Abschweifungen befreit ist (1714); Dacier kontert sofort mit ihren Ursachen der Verfälschung des Geschmacks. Die Kampfbereitschaft zwischen Angeklagten und Gegnern wird durch Antworten und die schnelle Übertragung von Verleumdungen über den Kanal angeheizt. Auf englischer Seite sind Wotton, Dryden und Swift (in The Battle of the Books, 1704) am engagiertesten; in Frankreich Saint-Hyacinthe, Boivin,Die Väter Buffier und Terrasson sind nicht weniger überzeugt - wenn auch überzeugend -, bis Fénelon seine diplomatischen Ressourcen nutzt, um eine Versöhnung zu erreichen.

Zumindest aus heutiger Sicht scheint dies das letzte Echo eines Nachhutkampfes zu sein, das sich dem widersetzt, was zur gleichen Zeit in der Bildkunst vor sich ging. Auch hier besteht eine widersprüchliche Situation, nämlich zwischen den sogenannten Poussinisten und Rubenisten, aber die Auswirkungen sollten ganz anders sein. Der historische Hintergrund dieses "Coloring-Streits" liegt in der wachsenden Herrlichkeit von Tizian und Rubens, die zunächst durch Raphaels und Michelangelos Vermögen verdunkelt wurde. Die Debatte hängt natürlich vom Status der Farbe ab. Die Farbe wurde lange Zeit aus mindestens drei Gründen außer Acht gelassen: In Le Bruns Worten handelt es sich um "einen Unfall, der durch Lichtreflexion verursacht wird und je nach den Umständen unterschiedlich ist"; es spricht die Sinnlichkeit an, während "wir dürfen nicht nur nach unseren Sinnen urteilen, sondern nach der Vernunft ", wie Poussin es ausdrückt, und es erweist sich als unfähig, als Grundlage für die Malerei zu dienen, im Gegensatz zur Zeichnung, die sich auf den Geist bezieht, wie er im ursprünglichen Sinne von disegno erinnert und von ihm gefordert wird die Analogie zwischen Malerei und Rhetorik. Es ist Leonardos Umkehrung vom alten Sprichwort, dass Malerei "dumme Poesie" ist, zu dem neuen, dass "Poesie blinde Malerei" ist, was den Weg zu einer besseren Überlegung öffnet. Poesie ist Blindmalerei ", was den Weg zu einer besseren Überlegung öffnet. Poesie ist Blindmalerei ", was den Weg zu einer besseren Überlegung öffnet.

Der Maler Blanchard beginnt 1671 vorsichtig mit Feindseligkeiten in der Akademie. Er will nicht "die Bedeutung des Designs verringern", sondern "drei Dinge zur Verteidigung der Farbe etablieren: Erstens ist diese Farbe für die Kunst des Malens genauso notwendig wie das Design; zweitens, wenn wir den Wert der Farbe verringern, verringern wir dadurch auch den Wert der Maler; und drittens verdient diese Farbe das Lob der Alten, und dass sie es in unserer Zeit wieder verdient. " Design ist sicherlich eine notwendige Grundlage, aber wenn das Ziel des Malers darin besteht, "sowohl die Augen zu täuschen als auch die Natur zu imitieren", ist es vernünftig zu schließen, dass Farbe diesem Ziel am besten dient, weil "hier der Unterschied liegt, von dem sich die Malerei unterscheidet alle anderen Künste und die der Malerei ein eigenes Ende geben ". Es war ein Versuch, Poussins Satz zu seinem Vorteil zu nutzen, dass das Ziel der Malerei die Delektion ist - aber nicht ausreichend, um Le Brun und Champaigne zu überzeugen, ganz zu schweigen von Testelin, dem tyrannischen und pingeligen Sekretär und Autor der starren Vorschriften.

Zwei Männer würden eine besondere Rolle im Verlauf des Farbkreuzzugs spielen. Félibien als ersten zu erwähnen, mag paradox erscheinen, da er allgemein und zu Recht als Vertreter der orthodoxen Sichtweise angesehen wird. Er war aber auch großzügig gesinnt und besorgt über den Respekt unterschiedlicher Meinungen (es sollte ihn seine Position kosten!) Und ein faires Gleichgewicht zwischen den Gaben des Geistes und den Talenten der Hand. Für ihn ist "Schönheit ein Ergebnis der Proportionen und Symmetrie zwischen körperlichen und materiellen Teilen", so dass Farbe nicht verworfen werden kann, da "alles so kunstvoll verbunden erscheinen sollte, dass das gesamte Gemälde gleichzeitig gemalt worden zu sein scheint". und sozusagen aus derselben Palette ". Wenn er Du Fresnoy übersetzt 's De Arte Graphica (1668) und veröffentlicht seinen Dialog über das Färben (1673), scheint Roger de Piles stärkere Ansichten zu vertreten; Indem er jedoch die Betonung von Farbe auf Farbe überträgt, betont auch er die Bedeutung der Harmonie und die Art und Weise, wie sie die Beherrschung der lokalen Farbe und des Hell-Dunkel voraussetzt. Als de Piles lange Zeit später die Akademie betrat, gab er eine große Synthese unter dem Titel Principles of Painting (1708), in der er darauf besteht, dass "wahre Malerei nicht nur Überraschungen, sondern sozusagen Überraschungen sind". ruft zu uns und hat eine so starke Wirkung, dass wir nicht anders können, als in die Nähe zu kommen, als ob es uns etwas zu sagen hätte ", so dass" der Betrachter nicht verpflichtet ist, in einem Gemälde nach der Wahrheit zu suchen, sondern durch seine Wahrheit Wirkung, muss den Zuschauer anrufen und seine Aufmerksamkeit erzwingen ". Das zeigt auf das, was er "das Ganze zusammen ", das heißt" eine allgemeine Unterordnung von Objekten untereinander, da sie alle übereinstimmen, um nur eines zu bilden ", zur äußersten Befriedigung des Auges. Dieselbe Lehre kann aus Antoine Coypels Schriften gezogen werden, in denen" die Exzellenz der Malerei "ist nicht länger getrennt von" der Ästhetik des Malers ". Seine Ernennung zum Direktor der Akademie im Jahr 1714 ist das Symptom dafür, dass eine Seite für immer umgedreht wurde.s Direktor im Jahr 1714 ist das Symptom, dass eine Seite für immer umgedreht wurde.s Direktor im Jahr 1714 ist das Symptom, dass eine Seite für immer umgedreht wurde.

2. Gefühl und Geschmack

Obwohl es nicht falsch als eine bequeme Zusammenfassung zu sagen, dass das 17 - ^ten Jahrhundert der Höhepunkt der klassischen Kultur ist, dass es die allgemeine Vernunft und künstlerische Regeln fördert, im Gegensatz zu dem nächsten, die die Vorstellungskraft und Kritik begünstigt, würde es Es ist schwierig, irgendwo eine abrupte Abgrenzungslinie zu finden. Stattdessen gibt es viele begrenzte Entwicklungen, Bedeutungsverschiebungen statt brandneuer Institutionen und viele Anzeichen, von denen keines für sich selbst bestimmend ist, deren Hinzufügung jedoch zu einer tief überarbeiteten Übersicht führt.

Dominique Bouhours ist ein wichtiger Bezugspunkt dieser Übergangsphase. Er war Professor für Geisteswissenschaften und in den Pariser Salons sehr berühmt. 1671 veröffentlichte er The Conversations of Aristo and Eugene mit einer Fortsetzung von 1687. Die beiden Bücher wurden viel gelesen, oft neu aufgelegt und das zweite als The Art of Criticism (1705) ins Englische übersetzt). Ein wichtiges Merkmal (wenn auch keine außergewöhnliche Philosophie außerhalb der Philosophie, wie von Félibien und de Piles bewiesen) ist die Annahme der Form des Dialogs, die zwei Hauptvorteile bietet. Erstens bietet es die Möglichkeit, einen Vertreter des Klassizismus, der die Antike sehr liebt und ein Liebhaber von Delikatesse und Charme ist, in eine persönliche Debatte zu führen. Diese Charaktere verkörpern jeweils Boileau und was wir konnten einen 18 nennen ^thJahrhundert Ästhet vor der Prägung des Wortes. Zweitens fördert es das Ausarbeiten von Gedanken unter dem Deckmantel der Untersuchung. In der Tat ist die dialogische Darstellung der beste Weg, um Einwände, Variationen oder Abweichungen, die die eigentliche Substanz der Untersuchung ausmachen, vor dem intellektuellen Inhalt der Thesen anzusprechen. Philosophischer Profit geht also einher mit dem Vergnügen, sich zu unterhalten. Bouhours selbst überlässt seinem Leser völlige Urteilsfreiheit; er möchte, dass sein Buch nur "eine prägnante und einfache Rhetorik ist, die mehr durch Instanzen als durch Vorschriften lehrt und keine anderen Regeln als einen lebhaften und witzigen gesunden Menschenverstand erfordert", aber indem er dies behauptet, antizipiert er den Sieg der neuer Geist über die Orthodoxie.

Zu den typischsten Begriffen, die Bouhours hervorhebt, gehört das berühmte "je ne sais quoi", "das undefinierbare Etwas, dessen Wirkung Sie spüren". Der Ausdruck selbst scheint jede Analyse zu vereiteln; Alles, was Sie sagen können, wie Gracián es ausdrückt, ist zuzugeben, dass "dieses bestimmte Etwas, ohne etwas selbst zu wollen, in jedes Ding eingeht, um ihm Wert und Wert zu verleihen". Bouhours schreibt, dass "das je ne sais quoi wie jene Schönheiten ist, die mit einem Schleier bedeckt sind, die umso höher geschätzt werden, weil sie weniger der Sicht ausgesetzt sind und zu denen die Phantasie immer etwas hinzufügt". Ein halbes Jahrhundert später kommt Marivaux zu dem Schluss, dass es das Attribut schlechthin der Gnade ist: "In diesen Gemälden, die Sie so mögen, in diesen Objekten jeder Art, die Sie so erfreuen, in der gesamten Fläche des Geländes, in allem, was Sie wahrnehmen,hier einfach, hier ungepflegt, unregelmäßig sogar, manchmal verziert, manchmal nicht, ich bin da und ich zeige mich. Ich gebe allem meinen Charme, ich umgib dich. "Die wichtige Tatsache bei all diesen Formulierungen ist nicht so sehr, dass sie sich jedem Versuch entziehen, den Sinn des Satzes zu erfassen, zumindest in einer einzigen Form. Es liegt in der Erkenntnis, dass Zweideutigkeit ist nicht mehr ganz wegzuwerfen. Hinter dem scheinbar Unbeschreiblichen verbirgt sich der Rest einer emotionalen Komponente, die ebenso wie die Vernunft zur menschlichen Natur gehört und dementsprechend einen ursprünglichen Ansatz rechtfertigt. Derjenige, der sie tragen sollte In Frankreich ist du Bos in seinen Kritischen Reflexionen über Poesie und Malerei (1719). Die wichtige Tatsache bei all diesen Formulierungen ist nicht so sehr, dass sie sich jedem Versuch entziehen, den Sinn der Phrase zumindest in einer einzigen Form zu erfassen. Sie liegt in der Erkenntnis, dass Zweideutigkeit nicht mehr ganz verworfen werden darf. Hinter dem scheinbar Unbeschreiblichen verbirgt sich der Rest einer emotionalen Komponente, die ebenso wie die Vernunft zur menschlichen Natur gehört und dementsprechend einen originellen Ansatz rechtfertigt. Derjenige, der es in Frankreich durchführen sollte, ist du Bos in seinen Kritischen Überlegungen zu Poesie und Malerei (1719). Die wichtige Tatsache bei all diesen Formulierungen ist nicht so sehr, dass sie sich jedem Versuch entziehen, den Sinn der Phrase zumindest in einer einzigen Form zu erfassen. Sie liegt in der Erkenntnis, dass Zweideutigkeit nicht mehr ganz verworfen werden darf. Hinter dem scheinbar Unbeschreiblichen verbirgt sich der Rest einer emotionalen Komponente, die ebenso wie die Vernunft zur menschlichen Natur gehört und dementsprechend einen originellen Ansatz rechtfertigt. Derjenige, der es in Frankreich durchführen sollte, ist du Bos in seinen Kritischen Überlegungen zu Poesie und Malerei (1719). Was zu finden ist, ist der Rest einer emotionalen Komponente, die ebenso wie die Vernunft zur menschlichen Natur gehört und dementsprechend einen ursprünglichen Ansatz rechtfertigt. Derjenige, der es in Frankreich durchführen sollte, ist du Bos in seinen Kritischen Überlegungen zu Poesie und Malerei (1719). Was zu finden ist, ist der Rest einer emotionalen Komponente, die ebenso wie die Vernunft zur menschlichen Natur gehört und dementsprechend einen ursprünglichen Ansatz rechtfertigt. Derjenige, der es in Frankreich durchführen sollte, ist du Bos in seinen Kritischen Überlegungen zu Poesie und Malerei (1719).

Auf den ersten Blick schien du Bos nicht dazu bestimmt zu sein, diese Rolle zu spielen, aber er nutzte geschickt die günstigen Bedingungen. Er hatte Theologie studiert, war Diplomat und Historiker, Theater- und Opernliebhaber und verfügte vor allem über gründliche Kenntnisse der Gelehrsamkeit, insbesondere in der klassischen Archäologie und Numismatik. Er war eher ein Rationalist, obwohl er Descartes feindlich gesinnt war, aber er war in die Niederlande und nach England gereist, wo er Locke kennengelernt hatte, und konnte Englisch (was zu dieser Zeit in Frankreich nicht so üblich war) sowie andere Sprachen lesen. Es ist sicher, dass er Addison, vielleicht Shaftesbury, las, was einen eigenen sensualistischen Trend förderte, ohne eine Spur von Sentimentalismus (im Gegensatz zu Fénelon). Seine Interessen waren sehr vielseitig, da er Bayle und Leibniz kannte und auch offen für experimentelle Philosophie war. Im Jahr 1719,Er wurde Mitglied der Académie Royale des Inscriptions et Belles-Lettres und wurde bereits 1722 zum Perpetual Secretary ernannt. Sein Hauptanspruch auf Ruhm für die Nachwelt bleibt jedoch bei weitem seine Critical Reflections, von denen Voltaire 1738 schrieb, es sei "das nützlichste Buch, das jemals in jedem Land Europas zu diesen Themen geschrieben wurde", das zufällig im selben Jahr wie veröffentlicht wurde J. Richardsons Die Wissenschaft eines Kenners, die sich mit zusammenhängenden Angelegenheiten befasst.das nützlichste Buch, das jemals in jedem Land Europas zu diesen Themen geschrieben wurde ", veröffentlicht durch einen glücklichen Zufall im selben Jahr wie J. Richardsons The Science of a Connoisseur, das sich mit verbundenen Themen befasst.das nützlichste Buch, das jemals in jedem Land Europas zu diesen Themen geschrieben wurde ", veröffentlicht durch einen glücklichen Zufall im selben Jahr wie J. Richardsons The Science of a Connoisseur, das sich mit verbundenen Themen befasst.

Die von du Bos angenommene Neuheit zeigt sich sofort in der Entscheidung, mit dem subjektiven Eindruck zu beginnen, der beim Kontakt mit Kunstwerken entsteht. In Erwartung von Burke argumentiert er, dass ästhetisches Vergnügen eine Emotion ist, das physische Ergebnis des Rührens unserer Organe, aber in der Tat paradoxer Natur, da seine Auswirkungen "nie mehr applaudiert werden, als wenn sie uns am erfolgreichsten zum Mitleid bewegen". Während Nicole und Bossuet die Kunst verachteten, weil sie die Menschen von den wirklichen Pflichten des Lebens und der Erlösung abgelenkt hatten, besteht du Bos darauf, dass es notwendig ist, gegen Sorgen und Langeweile zu kämpfen. Ein solcher Kampf macht Leidenschaften jedoch trotz ihrer Bedrohung attraktiv. Kunst ist eine Rettungsmethode, denn sie nutzt das Pathetische und neutralisiert seine unangenehmen Wirkungen: "Da die angenehmsten Empfindungen, die uns unsere wirklichen Leidenschaften leisten können, durch so viele unglückliche Stunden ausgeglichen werden, die unseren Genüssen folgen, wäre es nicht ein edler Versuch der Kunst, sich zu bemühen, die düsteren Folgen unserer Leidenschaften von dem bezaubernden Vergnügen zu trennen, das wir erhalten sie zu verwöhnen? Liegt es nicht in der Macht der Kunst, sozusagen Wesen neuer Natur zu erschaffen? Könnte Kunst nicht dazu beitragen, Objekte zu produzieren, die künstliche Leidenschaften erregen, die ausreichen, um uns zu beschäftigen, während wir tatsächlich von ihnen betroffen sind, und die uns danach keinen wirklichen Schmerz oder Leiden mehr bereiten können? "Zum Beispiel wäre das Massaker an den Unschuldigen unerträglich Spektakel zu sehen, aber dennoch erregt Le Bruns Gemälde sowohl unser Mitgefühl als auch unsere Bewunderung. Wäre es nicht ein edler Versuch der Kunst, sich zu bemühen, die düsteren Folgen unserer Leidenschaften von der bezaubernden Freude zu trennen, die wir daran haben, ihnen nachzugeben? Liegt es nicht in der Macht der Kunst, sozusagen Wesen neuer Natur zu erschaffen? Könnte Kunst nicht dazu beitragen, Objekte zu produzieren, die künstliche Leidenschaften erregen, die ausreichen, um uns zu beschäftigen, während wir tatsächlich von ihnen betroffen sind, und die uns danach keinen wirklichen Schmerz oder Leiden mehr bereiten können? "Zum Beispiel wäre das Massaker an den Unschuldigen unerträglich Spektakel zu sehen, aber dennoch erregt Le Bruns Gemälde sowohl unser Mitgefühl als auch unsere Bewunderung. Wäre es nicht ein edler Versuch der Kunst, sich zu bemühen, die düsteren Folgen unserer Leidenschaften von der bezaubernden Freude zu trennen, die wir daran haben, ihnen nachzugeben? Liegt es nicht in der Macht der Kunst, sozusagen Wesen neuer Natur zu erschaffen? Könnte Kunst nicht dazu beitragen, Objekte zu produzieren, die künstliche Leidenschaften erregen, die ausreichen, um uns zu beschäftigen, während wir tatsächlich von ihnen betroffen sind, und die uns danach keinen wirklichen Schmerz oder Leiden mehr bereiten können? "Zum Beispiel wäre das Massaker an den Unschuldigen unerträglich Spektakel zu sehen, aber dennoch erregt Le Bruns Gemälde sowohl unser Mitgefühl als auch unsere Bewunderung. Wesen neuer Natur? Könnte Kunst nicht dazu beitragen, Objekte zu produzieren, die künstliche Leidenschaften erregen, die ausreichen, um uns zu beschäftigen, während wir tatsächlich von ihnen betroffen sind, und die uns danach keinen wirklichen Schmerz oder Leiden mehr bereiten können? "Zum Beispiel wäre das Massaker an den Unschuldigen unerträglich Spektakel zu sehen, aber dennoch erregt Le Bruns Gemälde sowohl unser Mitgefühl als auch unsere Bewunderung. Wesen neuer Natur? Könnte Kunst nicht dazu beitragen, Objekte zu produzieren, die künstliche Leidenschaften erregen, die ausreichen, um uns zu beschäftigen, während wir tatsächlich von ihnen betroffen sind, und die uns danach keinen wirklichen Schmerz oder Leiden mehr bereiten können? "Zum Beispiel wäre das Massaker an den Unschuldigen unerträglich Spektakel zu sehen, aber dennoch erregt Le Bruns Gemälde sowohl unser Mitgefühl als auch unsere Bewunderung.

Ein weiteres Merkmal, das Diderot und Lessing ankündigt, ist sein Bewusstsein für die Unterscheidung zwischen Künsten. Obwohl du Bos aufgeschlossen und sinnlich ist, stellt er den Rahmen der Nachahmung nicht in Frage und fühlt sich der traditionellen Hierarchie der Subjekte verbunden. Im sechsten Kapitel stimmt er mit Quintilians Gebot überein, dass "die Nachahmung immer mit weniger Kraft wirkt als das nachgeahmte Objekt", was impliziert, dass beispielsweise Genrebilder und Satirepoesie unsere Aufmerksamkeit nicht lange auf sich ziehen können. Selbst die prächtigsten Landschaften sind ohne Figuren machtlos, nicht zu vergessen Poussins Arkadien, wenn es keine Hirten und keine Grabinschrift gibt. Was du Bos jedoch deutlich sieht, ist das Scheitern der berühmten "ut pictura poesis". Obwohl er selbst ein Mann der Briefe ist,er versteht, dass Sinnlichkeit aufgrund ihres sinnvollen Mediums zugunsten der Malerei entscheidet. Tatsächlich "ist die Kunst des Malens so äußerst heikel und greift uns durch einen Sinn an, der ein so großes Reich über unsere Seele hat, dass ein Bild durch den Charme der Ausführung angenehm gemacht werden kann, unabhängig von dem Objekt, das es darstellt: aber ich habe bereits bemerkt, dass unsere Aufmerksamkeit und Wertschätzung dann auf die Kunst des Nachahmers gerichtet ist, der zu gefallen weiß, auch ohne uns zu bewegen. Wir bewundern den Bleistift, der so fälschungsfähig war Natur." Ähnliche Argumente wurden immer wieder aufgegriffen, z. B. von Diderot, Adam Smith und Goncourt. Was du Bos betrifft, so müssen Dichter und Maler Themen auswählen, die den Mitteln ihrer Künste entsprechen. Eine erhabene Gegenerwiderung in einer Tragödie würde eine banale Darstellung auf einer Leinwand ermöglichen, und umgekehrt würde eine riesige Szene voller Animationen, die beweist, dass die Meisterschaft des Malers nur ein nerviges Gedicht hervorbringen würde.

Es gibt eine zweite Stufe der Analyse, nämlich die Darstellung von Bedingungen, die die Existenz und den Wert der Kunst als menschliches Phänomen erhalten. Dieser zweite Teil ist etwas veraltet, weil er auf der ehrwürdigen Theorie des Klimas beruht. Er vergleicht das Genie, "die Fähigkeit der Natur, bestimmte Dinge gut und leicht zu tun, die die anderen nur schlecht erreichen können, selbst wenn sie viel Mühe haben", mit einer Pflanze, die "sozusagen wächst" selbst". Die Ausstrahlungen von der Erde und die Unterschiede in der Luftqualität sind für du Bos wirklich verantwortlich für die Produktivität von Ländern und Jahrhunderten. Er schließt sich jedoch keinem starken Determinismus an; es wäre genauer, ihn als Vorläufer des historischen Kunstbewusstseins zu sehen, moderiert durch einen Hauch von Skepsis, da er einen zyklischen Fortschritt zugibt. Die methodische Lehre impliziert, dass Kritik vor allem eine Ursachenforschung ist, keine Praxis des Richtens. Trotzdem muss eine kosmopolitische Kritik keine persönliche Überzeugung opfern, wie du Bos in seiner Verteidigung der Erfüllung der Alten veranschaulicht.

Die kritischen Überlegungen wurden ausführlich gelesen und zitiert und noch häufiger ohne Erwähnung verwendet. Ein Extremfall ist der Eintrag 'Painting' (von Jaucourt) in der Encyclopédie, der einer Collage von fast dreißig Fragmenten aus du Bos entspricht! Ebenso schuldet Montesquieu ihm in seinem Essay on Taste mehr als behauptet wird. In der Schweiz war sein Einfluss wahrscheinlich am fruchtbarsten: Bodmer leiht sich von ihm, um gegen Gottscheds Akademismus zu kämpfen, und Sulzer nimmt ihn als Grundlage für seine Sensibilitätstheorie. Darüber hinaus sind seine legitimen Erben zweifellos Lessing und Mendelssohn, die letzten freiberuflichen Denker vor dem systematischen Programm von Baumgarten und Kant.

3. Rationalistische Widerstände

Es scheint, dass zu diesem Thema nichts mehr zu sagen ist, da der allgemeine Trend der Ästhetik dann festgelegt wurde. Der Durchbruch zum Subjektivismus ist zwar zwingend, aber der Rationalismus war noch nicht abgeschlossen. Der Hauptgrund ist die starke Bedeutung des kartesischen Denkens im französischsprachigen Raum. Descartes selbst hat kaum über künstlerische Themen geschrieben und bezweifelte sogar die Möglichkeit einer echten Analyse ästhetischer Reaktionen. Die systematischen Neigungen seines Denkens beinhalten aber auch Implikationen in diesem Bereich. Dies macht sich deutlich in der Auswirkung der Mechanik der Leidenschaften auf die Physiognomie der Gesichter (Zeuge Le Brun) oder die Stimmungsausdrücke (Rameau) bemerkbar. Kunst sollte ein idealer Ort sein, um die "Vereinigung von Seele und Körper" zu studieren;Es war jedoch nicht dieses Merkmal, das in einer rational verwurzelten Kunsttheorie an erster Stelle stand.

Eine weitere Überlegung ist die Relevanz der Klassifizierung gegenüber der Schätzung. Wie in jedem anderen Bereich wird Kunst als durch stabile Kategorien strukturiert angesehen, die die Vielfalt der Werke und die Variabilität menschlicher Einstellungen überwiegen. Diese Kategorien haben in der Tat eher einen normativen als einen beschreibenden Umfang. Ein unmittelbares Ergebnis ist die Rückkehr der objektiven Frage nach dem Schönen, abgesehen von der subjektiven Funktion des Geschmacks. Aber es kommt nicht dazu, das Vergnügen zu betonen, denn eine erfolgreiche Illusion steht nicht unbedingt im Widerspruch zur Wahrhaftigkeit. Tatsächlich ist Abstraktion kein schlechter Anfang, um die Umwege von Erfindungen und Fiktionen in den Griff zu bekommen.

Ein bedeutender Meilenstein auf dieser Straße ist Crousaz 'Abhandlung über die Schönheit (1714), deren Titel bezeichnend ist, sowie die Wahl, eine Übersetzung von Platons Hippias major als Anhang beizufügen. Auf den ersten Blick erscheint es paradox, dass das erste Buch, das es wert ist, als philosophische Ästhetik eingestuft zu werden, von einem strengen Logiker geschrieben wurde, der sich nicht mit Kunstwerken befasste, aber andererseits der schulischen Logik sehr kritisch gegenüberstand und sich für Pädagogik interessierte. Crousaz ist überzeugt, dass Männer glücklich sind, soweit sie vernünftig sind; Dementsprechend sind seine Lieblingsfächer die Wissenschaften, Beredsamkeit, Tugend, und als Bernouilli sein einziges künstlerisches Kapitel angriff, das der Musik gewidmet war, zog er es vor, es 1724 durch eine lange Entwicklung der Religion zu ersetzen. Für ihn gibt es eine natürliche Kontinuität von der Mathematik bis zur gesamten Führung des menschlichen Lebens.

Crousaz liefert keine originellen Ideen über die Natur des Schönen; er greift das alte von Leibniz geprägte Sprichwort auf, dass es eine Mischung aus Einheit und Vielfalt ist, um Ordnung und Proportionen sowohl vor Laune als auch vor Monotonie zu bewahren. Aber er nähert sich ihm mit einem neuen Bewusstsein der Zwänge und Vorurteile, die den Weg versperren: "Jeder besitzt [eine Vorstellung vom Schönen], aber da es kaum jemals allein erscheint, reflektieren wir es nicht und unterscheiden es nicht vom Gewirr von anderen Ideen, die daneben erscheinen. " Die Wurzel dieser Schwierigkeit liegt in der Dualität menschlicher Fähigkeiten: "Manchmal stimmen Ideen und Gefühle überein, und ein Objekt verdient in beiden Punkten die Qualifikation 'schön'. Manchmal jedochIdeen und Gefühle führen Krieg miteinander und dann gefällt ein Objekt und gleichzeitig nicht: Aus einer Perspektive ist es schön, aus einer anderen fehlt es an Schönheit. "Crousaz lässt sich diese Scheidung nicht gefallen, im Gegenteil. Wir haben die Verantwortung herauszufinden, "welche Prinzipien unsere Zustimmung regeln, wenn wir etwas nur nach Ideen beurteilen [oder, wie er gerne sagt," kühl "] und es unabhängig vom Gefühl schön finden". Geschmack wird nicht verworfen, sondern als ein angesehen Vorläufer dessen, was der Grund gebilligt hätte, hätte es Zeit genug gehabt, die Vor- und Nachteile abzuwägen. Es ist also eine wesentliche Abkürzung des Verstehens, die Empfindungen mit Wissen in Einklang bringt und die äußerste Weisheit Gottes beweist. Ähnliche Ideen finden sich auch in Frain du Tremblay, Brumoy oder Trublet. Aus einer Perspektive ist es schön, aus einer anderen fehlt es an Schönheit. "Crousaz lässt sich mit dieser Scheidung nicht ab, im Gegenteil, wir müssen herausfinden," welche Prinzipien unsere Zustimmung regeln, wenn wir etwas nur nach Ideen beurteilen [oder wie er gerne sagt, "cool"] und finde es schön, unabhängig vom Gefühl ". Der Geschmack wird nicht verworfen, sondern als Vorläufer dessen angesehen, was der Grund gebilligt hätte, wenn es Zeit genug gewesen wäre, die Vor- und Nachteile abzuwägen. So ist es Eine wesentliche Abkürzung des Verstehens, die Empfindungen mit Wissen in Einklang bringt und die äußerste Weisheit Gottes beweist. Ähnliche Ideen finden sich auch in Frain du Tremblay, Brumoy oder Trublet. Aus einer Perspektive ist es schön, aus einer anderen fehlt es an Schönheit. "Crousaz lässt sich mit dieser Scheidung nicht ab, im Gegenteil, wir müssen herausfinden," welche Prinzipien unsere Zustimmung regeln, wenn wir etwas nur nach Ideen beurteilen [oder wie er gerne sagt, "cool"] und finde es schön, unabhängig vom Gefühl ". Der Geschmack wird nicht verworfen, sondern als Vorläufer dessen angesehen, was der Grund gebilligt hätte, wenn es Zeit genug gewesen wäre, die Vor- und Nachteile abzuwägen. So ist es Eine wesentliche Abkürzung des Verstehens, die Empfindungen mit Wissen in Einklang bringt und die äußerste Weisheit Gottes beweist. Ähnliche Ideen finden sich auch in Frain du Tremblay, Brumoy oder Trublet. Wir haben die Verantwortung herauszufinden, "welche Prinzipien unsere Zustimmung regeln, wenn wir etwas nur nach Ideen beurteilen [oder, wie er gerne sagt," cool "] und es unabhängig vom Gefühl schön finden". Der Geschmack wird nicht verworfen, sondern als Vorläufer dessen angesehen, was der Grund gebilligt hätte, wenn es Zeit genug gewesen wäre, die Vor- und Nachteile abzuwägen. Es ist also eine wesentliche Abkürzung des Verstehens, die Empfindungen mit Wissen in Einklang bringt und die äußerste Weisheit Gottes beweist. Ähnliche Ideen finden sich auch in Frain du Tremblay, Brumoy oder Trublet. Wir haben die Verantwortung herauszufinden, "welche Prinzipien unsere Zustimmung regeln, wenn wir etwas nur nach Ideen beurteilen [oder, wie er gerne sagt," cool "] und es unabhängig vom Gefühl schön finden". Der Geschmack wird nicht verworfen, sondern als Vorläufer dessen angesehen, was der Grund gebilligt hätte, wenn es Zeit genug gewesen wäre, die Vor- und Nachteile abzuwägen. Es ist also eine wesentliche Abkürzung des Verstehens, die Empfindungen mit Wissen in Einklang bringt und die äußerste Weisheit Gottes beweist. Ähnliche Ideen finden sich auch in Frain du Tremblay, Brumoy oder Trublet. Ich hatte genug Zeit, um die Vor- und Nachteile abzuwägen. Es ist also eine wesentliche Abkürzung des Verstehens, die Empfindungen mit Wissen in Einklang bringt und die äußerste Weisheit Gottes beweist. Ähnliche Ideen finden sich auch in Frain du Tremblay, Brumoy oder Trublet. Ich hatte genug Zeit, um die Vor- und Nachteile abzuwägen. Es ist also eine wesentliche Abkürzung des Verstehens, die Empfindungen mit Wissen in Einklang bringt und die äußerste Weisheit Gottes beweist. Ähnliche Ideen finden sich auch in Frain du Tremblay, Brumoy oder Trublet.

Pater Andrés Essay über Schönheit (1741) befindet sich auf demselben Gebiet, jedoch mit starkem Einfluss von Malebranche, wodurch die Vorstellungskraft und das Herz aufgewertet werden. Nach der kartesischen Unterscheidung zwischen Ideen (angeboren, zufällig und faktisch) schlägt er eine Klassifizierung von mehreren Graden innerhalb des Begriffs des Schönen vor: Das wesentliche Schöne ist "unabhängig von jeder Institution, auch göttlich" und wird daher mit dem Universellen identifiziert und unveränderliche Ordnung oder göttliche Vernunft. Das natürliche Schöne betrifft die ganze Bandbreite der geschaffenen Dinge; es ist "unabhängig von jeder menschlichen Meinung", folgt aber aus Gottes Willen; es ist in der Harmonie und Endgültigkeit der Natur vorhanden. Der niedrigste Grad an Schönheit ist ein Produkt menschlicher Aktivität und teilweise willkürlich, da er sowohl intellektuelle als auch sinnliche Inhaltsstoffe kombiniert. Diese vernünftige Schönheit, die zu Auge und Ohr spricht, ist selbst in drei Ebenen organisiert, entsprechend der jeweiligen Bedeutung von Genie, Geschmack und Laune, natürlich in absteigender Reihenfolge. Nur das Genie kann zum rationalen Rahmen der Dinge aufsteigen, wenn es von unseren Fakultäten angemessen unterstützt wird. André fasst zusammen: "Ich nenne schön nicht das, was dem ersten Blick der Phantasie gefällt, sondern das, was das Recht hat, Vernunft und Reflexion durch seine eigene Exzellenz zu befriedigen." Für ihn (oder seinen Schüler Séran de la Tour) gibt es keinen grundlegenden Unterschied zwischen dem Schönen und dem Wahren. das ist genau die Definition einer Ästhetik der Perfektion. Auch hier ist das Gefühl kein Rückstand, der gegen einen Ausscheidungsprozess resistent ist; es ist die normale affektive Begleitung eines Schöpfungs- oder Rezeptionsaktes und ein schlüssiges Zeichen der Menschheit.s Originalität als Spezies.

Der Fall von Batteux ist etwas anders; Als er 1746 The Fine Arts Reduced to a Single Principle veröffentlichte, nahm er eine Herausforderung an: die aristotelische Orthodoxie fest als allgemeine Grundlage für ein einheitliches System der Künste zu etablieren. Das fragliche Prinzip ist natürlich der alte Begriff der Mimesis, aber verallgemeinert auf jede Art von Kunst, über die sich Aristoteles oder Horaz keine Sorgen machten. Um dies zu erreichen, unterscheidet er die freien Künste, deren Gegenstand das Vergnügen ist (dh Musik, Poesie, Malerei, Skulptur und Tanz), von den mechanischen und schlägt eine Interpretation dessen vor, was der "Nachahmung der schönen Natur" gleichkommt.. Er besteht darauf, dass Nachahmung nicht das sklavische Kopieren des Gegebenen ist, sondern ein vernünftiger und aufgeklärter Prozess, der sich auf den Weg zum besten Ergebnis macht. Er erinnert sich an die berühmte Anekdote von Zeuxis, der seine Helen aus Teilen von Crotones perfektesten Frauen zusammensetzt, und kommt zu dem Schluss, dass der Künstler nachahmen muss, welcher Grund entscheidet, das Wesen der Natur zu sein. Deshalb lobt Batteux Kunstfertigkeit so sehr: "Kunst ist zum Narren gemacht", nicht weil sie im Dienst der Duplizität steht, sondern weil die Wahrheit eine komplexe Konstruktion ist, die ihren Stoff und ihre Entwicklung verbirgt. Diderot greift denselben Punkt wieder auf, wenn er die eigentümlichen "Hieroglyphen" aller Ausdrucksformen betrachtet.s Service, aber weil die Wahrheit eine komplexe Konstruktion ist, die ihre Struktur und Entwicklung verbirgt. Diderot greift denselben Punkt wieder auf, wenn er die eigentümlichen "Hieroglyphen" aller Ausdrucksformen betrachtet.s Service, aber weil die Wahrheit eine komplexe Konstruktion ist, die ihre Struktur und Entwicklung verbirgt. Diderot greift denselben Punkt wieder auf, wenn er die eigentümlichen "Hieroglyphen" aller Ausdrucksformen betrachtet.

Am Ende gibt es zwei entgegengesetzte Erbschaften von Batteux. Manchmal wird er für seine hartnäckige Verteidigung systematischer Standards (wie in seinen Principles of Literature, 1753) kritisiert, dem kompromisslosen Verfechter der ut pictura poesis; manchmal wird er für seinen Enthusiasmus anerkannt, der ihn vermuten lässt, dass das Ideal nirgendwo außerhalb der Fiktion zu finden ist und dass die Realität des Vergnügens mit künstlerischen Fähigkeiten vergleichbar ist. Die gleiche Perspektive gilt auch für Rameau. Er hält leidenschaftlich am Kartesianismus fest und verspottet jeden Versuch, Musik aus Erfahrung abzuleiten. In seiner Demonstration des Prinzips der Harmonie (1750) ist er bestrebt, Musik und Wissenschaft zu machen, aber eins statt zwei. Dementsprechend wird Harmonie zur Grundstruktur der Musik und Melodie zu einem oberflächlichen Bestandteil. Aber nach dem sogenannten "Streit der Possenreißer"Als Rousseau ihn zur Rede stellte (in seinem Brief über die französische Musik von 1753 zugunsten der italienischen Oper), schloss sich Rameau der Gewissheit an, dass Musik der universelle Schlüssel für jedes Fach ist, auch für die Geometrie. Zu diesem Zeitpunkt hat der dogmatische Theoretiker den Musiker der Verzauberung getötet; Die Vernunft hat ihre eigene Macht gegen sich selbst gewendet.

4. Vom Kenner zum Kunstkritiker

Im genauen Gegenteil ist die Figur des Kenners. Wenn er keine völlig neue Persönlichkeit in der Szene der Kunstgeschichte ist, wird seine Rolle für die Bewertung der Kunst immer wichtiger. Die großen Gemälde und Fresken wurden von Gönnern bestellt, die das Anliegen ihres Ranges oder des Staates im Auge hatten. Dies bedeutet nicht, dass eine Berücksichtigung des inneren Wertes irrelevant war, beispielsweise in religiöser oder dekorativer Hinsicht, aber in der Regel spiegelten solche Überlegungen nicht die persönliche Neigung wider. Die Bedeutung des Kenners setzt eine persönliche Beziehung zum Thema oder zur Technik und damit einen demokratisierten Zugang zu den Werken voraus. Nach den großen königlichen und nobiliären Sammlungen, aus denen die ersten Museen hervorgingen, erschienen weniger ehrgeizige Sammlungen, die von wohlhabenden Enthusiasten gesammelt wurden, die einen gemeinsamen Geschmack für Qualität teilten.und nicht nur ein Anreiz zur Neugier, wie er in Renaissance-Schränken üblich war. Meistens bestanden diese Sammlungen aus Zeichnungen, Drucken, Münzen, Antiquitäten, Gips- oder Terrakottagüssen, die billiger und handlicher waren als Gemälde und Skulpturen.

Zu den bekanntesten Kennern zählen der Finanzier Crozat und der Comte de Caylus. Sie begnügten sich nicht damit, Tausende von Werken zu sammeln, sie hatten ein Anliegen, sie durch Druckgrafik zu reproduzieren und das Ganze zu indizieren; Julienne und Mariette sollten die Erfinder des Genres des Katalogs sein, das das ganze Jahrhundert über nachgeahmt wurde. Caylus oder Dezallier d'Argenville schrieben auch über Künstler, skizzierten Biografien und legten Unterscheidungsregeln für Delikatesse des Stils oder Leichtigkeit der Ausführung fest. All dies geschah im größeren Rahmen der kosmopolitischen Beziehungen zwischen Amateuren verschiedener Länder und des Fortschritts beim Reisen mit dem entstehenden Ritual der Grand Tour.

Ein weiterer grundlegender Faktor, der die fortschreitende Umwandlung einer kunstbegeisterten Person in einen authentischen Kenner förderte, der in der Lage war, korrekte Urteile oder Zuschreibungen abzugeben, war die Einrichtung des Salons. Die Königliche Akademie für Malerei und Skulptur wurde 1648 gegründet, aber nur wenige Ausstellungen waren darin organisiert worden. Andererseits wurden ab 1667 Vortragsreihen vorgeschlagen - zuerst öffentlich, dann privat. Aber erst ab 1737 fanden alle zwei Jahre regelmäßig neue Werke statt, die die verschiedenen Bereiche der bildenden Kunst abdeckten. Die Existenz des Salons war ein starkes Stimulans für künstlerische Aktivitäten, auch wenn die Grenzen der Schöpfung eng kontrolliert wurden.

Der Salon ist natürlich eine Gesellschaft Veranstaltung - die am 25. August im Louvre Salon Carré öffnet ^th, die St. Louis' Tag ist, zu huldigen den König - und als ein bequeme Studie Führer von etwa zweihundert angeblich repräsentativen Werken. Aber sein wichtigstes Ergebnis ist, die Geburt einer neuen literarischen Gattung, die bis zum 20. blühte ^thJahrhundert, das ein unvergleichliches Labor des ästhetischen Denkens war. Zu Beginn waren solche Überprüfungen eine Mischung aus beschreibenden Berichten und theoretischen Nebenbemerkungen, die häufig nicht unumstritten waren. Der Punkt ist jedoch zum Nutzen einer größeren Öffentlichkeit, die nicht an der Institution beteiligt ist; wie La Font de Saint-Yenne es 1747 ausdrückte: "Ein ausgestelltes Bild ist dasselbe wie ein Buch am Tag der Veröffentlichung und wie ein Theaterstück, das im Theater aufgeführt wird: Jeder hat das Recht, sein eigenes Urteil zu fällen. Wir haben uns versammelt." zusammen die Urteile der Öffentlichkeit, die die größte Übereinstimmung und Fairness zeigten, und wir präsentieren sie jetzt und überhaupt nicht unser eigenes Urteil den Künstlern,in der Überzeugung, dass dasselbe Publikum, dessen Urteile so oft bizarr und zu Unrecht schädlich oder voreilig sind, sich selten irrt, wenn sich alle seine Stimmen über das Verdienst oder die Schwäche eines bestimmten Werkes vereinen. "Mit Caylus, Baillet de Saint-Julien und vor allem Diderot Die ästhetische Bedeutung wird zunehmend betont und eröffnet den Weg für eine lange Tradition von Schriftstellern, die sich für Malerei interessieren.

Das Wachstum der Salon-Rezensionen wirkt sich sowohl auf die neuen Anforderungen des Journalismus als auch auf den Aufstieg einer öffentlichen Meinung zu künstlerischen Fragen aus. Was Diderot betrifft, so war es sein deutscher Freund Grimm, der ihn einlud, einen Beitrag zum Correspondance littéraire zu leisten, einer sehr ungewöhnlichen Zeitung, die nicht gedruckt, sondern handgeschrieben und in einer Handvoll Kopien für liberale Leser mit Kronenköpfen verteilt wurde. Diderots erster Versuch im Jahr 1759 ist ein eher enttäuschendes Papier von weniger als zwölf Seiten, das sich aus den Notizen zusammensetzt, die er während seines Besuchs gemacht hat. Umso bemerkenswerter ist es, dass es ihm in seinen Rezensionen von 1763 und 1767 gelungen ist, diese Übung zur Perfektion zu bringen. Da Diderot ein entscheidender Meilenstein für die Entstehung von Kritik ist, lohnt es sich, seiner Praxis etwas Aufmerksamkeit zu schenken. Seine Anziehungskraft für Kunst war zwar nicht neu, aber seine ersten Begegnungen fanden auf intellektueller Ebene statt.durch die Vermessung von Crousaz, Shaftesbury und Hutcheson. Er legte größten Wert auf das Thema Blindheit als konzeptionelles Paradigma und auch als Waffe gegen den Idealismus. Aber Diderot ist nicht nur ein leidenschaftlicher Philosoph, der über die Beziehungen zwischen Wissen und Vision nachdenkt, er ist immer mehr ein aufgeklärter Amateur, der gerne malt, starkes Verlangen und Abneigungen zeigt und verstehen will, warum.

Diderots Erfahrung als Kritiker liegt in der Distanz zwischen zwei sich ergänzenden Einstellungen: dem Beweis, dass die Geschäftsgeheimnisse der Kunst unerreichbar sind, und der Herausforderung, das Ergebnis in literarischem Material nachzubilden. Dass sich die Alchemie des Malers der Haltung des Betrachters entzieht, wiederholt Diderot häufig, insbesondere in Bezug auf Chardin: "Es ist magisch, man kann nicht verstehen, wie es gemacht wird: dicke Farbschichten, übereinander aufgetragen, jeweils gefiltert von unten durch, um den Effekt zu erzielen. Manchmal sieht es so aus, als ob die Leinwand von jemandem beschlagen wurde, der darauf atmet, bei anderen, als wäre ein dünner Wasserfilm darauf gelandet … Nahaufnahme, alles verschwimmt, geht flach und verschwindet. Aus der Ferne wird alles wieder lebendig und taucht wieder auf. "(1763) Diderot gehört zur koloristischen Partei, aber seine Befragung ist nicht weniger scharf darauf gerichtet, was die Stärke des Zeichnens ausmacht und was die Art und Weise vom Manierismus trennt. Obwohl er gesteht, dass "ich lobe, ich beschuldige mein persönliches Gefühl, das nicht dem Gesetz entspricht" (1767), ist er bereits 1765 der Ansicht, dass seine Bekanntschaft mit Gemälden ihm das Recht gibt, "eine kleine Abhandlung über Malerei" zu schreiben seine Gründe für das Vertrauen in seine Urteile offenlegen.seine Gründe für das Vertrauen in seine Urteile aufzudecken.seine Gründe für das Vertrauen in seine Urteile aufzudecken.

Gleichzeitig ist sich Diderot bewusst, dass die Macht des Malers dem Schriftsteller trotzt, dem Leser einen Ersatz für das fehlende Werk zu geben. Vor einem Meisterwerk könnte der erste Schritt wahrscheinlich darin bestehen, es zu stehlen. da es unterdrückt wird, gehört es zum Schreiben, um sich seine Substanz anzueignen und das alte Genre der Ekphrasis neu zu erschaffen. In einer Zeit, in der die Fotografie nicht bekannt ist, ist es notwendig, dem Leser eine kurze Beschreibung des fraglichen Werks zu geben, aber tatsächlich erkennt Diderot weit mehr als dies: Er prägt neue Methoden, um seine Worte dem von der Arbeit. Zu den wichtigsten gehört die Verwendung von Dialogen, manchmal real, manchmal mit einem virtuellen Sprecher, der normalerweise selbst Grimm ist. Der gesamte kurze Salon von 1775 ist nichts anderes als ein Gespräch zwischen dem Autor und jemandem namens Saint-Quentin. Ein weiteres beliebtes Mittel ist die Erstellung von Erzählungen, die die räumliche Organisation von Bildern entfalten. An der Kreuzung der beiden befindet sich eine außergewöhnliche lila Passage, die Vernet (1767) gewidmet ist und in der Diderot sich vorstellt, dass jedes Landschaftsbild ein realer Ort ist, der durch Gehen und Unterhalten entdeckt wurde. sozusagen haben die partner die arbeit aufgenommen. Erst an der siebten und letzten Stelle wird der Betrug aufgedeckt, und zwar nicht als bloßer Versuch zu täuschen, sondern als konstruktiver Kreisverkehr, der der Virtuosität des Malers huldigt. Die Partner haben die Arbeit eingegeben. Erst an der siebten und letzten Stelle wird der Betrug aufgedeckt, und zwar nicht als bloßer Versuch zu täuschen, sondern als konstruktiver Kreisverkehr, der der Virtuosität des Malers huldigt. Die Partner haben die Arbeit eingegeben. Erst an der siebten und letzten Stelle wird der Betrug aufgedeckt, und zwar nicht als bloßer Versuch zu täuschen, sondern als konstruktiver Kreisverkehr, der der Virtuosität des Malers huldigt.

5. Kunst als Philosophie

Eine weitreichende Lehre aus dem Aufstieg von Kritik und Ästhetik ist daher, dass Kunst nicht mehr nur ein Feld ist, das unter anderem für philosophische Fragen offen ist. stattdessen wird es ein Entwicklungsmodell für die Philosophie. In der Antike und im klassischen Zeitalter spielte die Mathematik diese Rolle als Paradigma intellektueller Sicherheit und unbeweglicher Grundlage. Die Kehrseite war jedoch eine Enge des Umfangs und die Beschränkung auf bestimmte Arten von Objekten und Untersuchungen. Die 18 - ^ten Jahrhundert initiiert eine starke Verschiebung, die nicht die wissenschaftliche Denken beiseite nicht setzen, sondern im Gegenteil gibt ihm seine volle kulturelle Bedeutung. In dieser Hinsicht können nur Wissenschaft und Kunst zum Nutzen der Gesellschaft assoziiert werden.

Diese Tendenz wird durch Veränderungen im philosophischen Hintergrund, durch die Auswirkungen des britischen Empirismus und das Wachstum des Materialismus verstärkt. Wenn entgegen kartesischen Prinzipien jede Idee von den Sinnen kommt - wie Condillac und d'Alembert nach Locke wiederholen -, ist das Gefühl das Gesamtergebnis körperlicher Bewegungen. Daher gibt es keinen anderen Weg, den Geschmacksstandard zu etablieren, als ihn aus unserer Struktur als Lebewesen abzuleiten. Auf diese Weise kann die Rationalität dem Dogmatismus entkommen, ohne in die Falle der Skepsis zu geraten. Eine konsequente materialistische Sicht der Menschheit erfordert aber auch eine gründliche Untersuchung der Grundlagen der Gesellschaft und der endgültigen Ziele des Lebens. Auf dieser Ebene erweist sich die häufige Analogie zwischen Kunstwerk und Organismus als effizient.

All diese Veränderungen würden dennoch ein toter Brief bleiben, wenn der Lebensstandard nicht steigen würde. Voltaire feiert unter anderem Reichtum, Luxus und die Weichheit des Lebens, die es erlaubt; "Was für eine gute Zeit für dieses eiserne Jahrhundert!", Auch wenn man sich mit der Tatsache der Ungleichheit nicht zufrieden geben kann. Zwischen den Enzyklopädisten und Rousseau ist die Bedeutung der Kunst ein ständiger Streitpunkt: Wenn Voltaire plädiert, dass "wo einige der feineren Künste fehlen, muss der Rest notwendigerweise schmachten und verfallen, da sie untrennbar miteinander verbunden sind und sich gegenseitig unterstützen". Rousseau beanstandet, dass es nur der Triumph des künstlichen Menschen über den natürlichen ist, so dass die Leichtigkeit des Individuums ein Grund für das Verderben der Menschheit ist. Diese beiden Interpretationen von Kunst haben natürlich entsprechende Merkmale in der Ästhetik,was manchmal als Ausdruck der äußersten Fähigkeiten des Menschen und manchmal als Summe von Kleinigkeiten für Personen der Freizeit erscheint.

Wie dem auch sei, die Anhänger von Voltaire und Rousseau konnten sich dennoch auf die Vorteile einigen, die Kunst für menschliche Talente bietet, und es ist eine Aufgabe der Ästhetik, sie explizit zu machen. Zumindest drei Punkte sollten erwähnt werden: Sensibilität, Geselligkeit und Erfinden.

Soweit die Künste die gesamte Bandbreite unserer Fakultäten mobilisieren, verbessern sie unsere Fähigkeit, winzige Unterscheidungen zu erkennen, die sonst unbemerkt bleiben würden. Die Delikatesse des Geschmacks kann für sich selbst und auch für die Konsequenzen, die sie sich leisten kann, gepflegt werden. Im ersten Fall ist das Vergnügen offensichtlich das wahre Maß für den Erfolg, aber es bedeutet nicht, dass es nichts weiter gibt, da das Vergnügen ein fortschreitender Prozess ist, eine Aktivität, die den qualitativen Inhalt der Erfahrung verändert. Eine Kultur der Verfeinerung ist also für das ganze Leben von Bedeutung, denn was im künstlerischen Bereich erreicht wurde, ist eine Art Training, das in jedem anderen Kontext angeboten wird. Eine instrumentelle Geschmackskonzeption erweist sich als am besten geeignet, um verborgene Ähnlichkeiten und Kontraste aufzudecken, nicht nur zwischen verschiedenen Künsten oder Sinnen, sondern auch zwischen Kunst und dem Zeug der Realität.

Kunst war zu dieser Zeit noch in erster Linie ein Dialog mit der Natur, aber Mimesis darf nicht auf Ähnlichkeit beschränkt sein. Es berücksichtigt die verschiedenen Dimensionen der Schöpfung und die Korrespondenzen, die es für verschiedene Öffentlichkeiten aktiviert. Ein Kunstwerk spiegelt sowohl die Ideale und Vorurteile der Gesellschaft wider als auch ein wirksames Mittel, um die Dynamik der Sozialisation zu fördern. Diderot verweist auf das Theater, das weniger ein Ort der Unterhaltung als ein Mikrokosmos der Gesellschaft und daher ein Labor für zivile Leidenschaften ist. Es ist also keine Überraschung, wenn Voltaire im Gegenzug schreiben kann, dass "nichts den Geist so eng und so wenig macht, wenn ich diesen Ausdruck als Mangel an sozialem Verkehr verwenden darf; dies schränkt seine Fähigkeiten ein, stumpft den Rand des Genies ab, dämpft jede edle Leidenschaft, und lässt in einem Zustand der Trägheit und Inaktivität jedes Prinzip,das könnte zur Bildung des wahren Geschmacks beitragen. "Kurz gesagt, Kunst ist das Kommunikationsbindemittel schlechthin und das beste Symptom für einen sozialen Zustand in voller Blüte, auch wenn die Grenzen seiner sogenannten Universalität in einem eurozentrischen Punkt liegen der Ansicht.

Ein weiteres entscheidendes Merkmal der Kunst ist ihre Fähigkeit zu erfinden. Es gibt in der Tat eine ziemlich abwertende Interpretation davon als das unendliche Streben nach Neuheit, das Teil der sozialen Existenz und der menschlichen Natur ist. Der eigentliche Zweck der Kunst besteht darin, ein Erfindungsmodell bereitzustellen, das die höchsten Ressourcen der Menschheit erfüllt oder vielmehr einen Weg verfolgt, der von den primitivsten Trieben zu anspruchsvollen Errungenschaften führt. Das ist die Aufgabe der produktiven Vorstellungskraft und des Genies - sozusagen, um den Erfindungsprozess neu zu erarbeiten. Zu sagen, dass die schönen Künste die Künste des Genies sind, bedeutet nicht nur, dass große Werke einen funkelnden Touch haben, sondern dass das Schöne für einen schönen Anblick nicht reduzierbar ist. Daher fördert das zunehmende Gewicht des Erhabenen den Beweis, dass jede Instanz genialer Kreativität zuerst die Bedingungen für ihre eigene Rezeption bilden wird.

Was aus all diesen Bemerkungen folgt, ist die einfache Idee, dass ästhetische Bildung die Grundlage ist, die für die Entwicklung der Menschheit am besten geeignet ist. Diese Idee, manchmal verborgen, manchmal behauptet, ist eine der stabilsten Eigenschaften des ganzen Jahrhunderts; es führt von Shaftesbury nach Montesquieu, dann nach Kant und vor allem nach Schiller. Ein Grund dafür ist sicherlich eine unerwartete Kombination zwischen Anziehungskraft für Analysen und Misstrauen gegenüber Spekulationen. Je nach Autor symbolisiert es das Vertrauen in natürliche Zeichen, befreit von den Beschränkungen von Sprachen, Bräuchen oder Systemen, oder den Glauben an die Kraft der Metamorphose, die im Herzen der Kultur liegt. Zweifellos hat es die Revolution vorgezeichnet, aber die Französische Revolution als historisches Ereignis hatte eine geringere und zweifelhaftere Wirkung als die ersten Verteidiger erhofft hatten.

6. Neoklassizismus und Vorromantik

Das letzte Drittel des 18. - ^ten Jahrhunderts wurde zwischen zwei divergierende Richtungen zerrissen, die beide Versuche Unzufriedenheit mit der Gegenwart zu entkommen. Das erste ist eine Rückkehr zu den Lehren der Antike und der "großen Art" nach den Exzessen des Rokoko; Das andere ist das Streben nach einer erweiterten und angeblich aufrichtigeren Sensibilität.

Der erste Impuls liegt wahrscheinlich in den Ausgrabungen von Herculanum und Pompeji, die von Cochin (1753), Winckelmann oder Caylus berichtet wurden, und etwa zur gleichen Zeit in der Wiederentdeckung der Ruinen von Athen und dann von Ägypten. Das Schauspiel der Städte, die aus Asche oder prächtigen Denkmälern auf den Boden geworfen wurden, hat viel mit dem neuen Bewusstsein für die Antike zu tun. Viele Bücher, die oft mit Gravuren angereichert sind, verbinden einen sentimentalen Blick auf die archäologischen Überreste mit einem Revisionsprozess, der Griechenland als den wahren Ursprung des antiken künstlerischen Schaffens bewertet. Die theoretischen Auswirkungen waren immens, da sie nichts weniger als den modernen Begriff der Kunstgeschichte umfassen, den Winckelmann in seiner Geschichte der antiken Kunst (1764) interpretierte.als ein Epos plastischer Form im Zusammenhang mit der Zivilisation und nicht nur als Sammlung anekdotischer Skizzen nach Vasaris Art.

Für Künstler, die Antiquaren nahe stehen (wie Mengs oder David), war es natürlich ein Anreiz, die griechische Statue als Kanon allen sichtbaren Ausdrucks anzuerkennen, um die galante Stimmung zugunsten einfacher Größe und des Kultes der Strengen in Bezug auf Themen und Einstellungen zu meiden Zumindest bis der grandiose Empire-Stil den Todesstoß für die Hoffnungen auf das absolut Schöne auslöste. Aus ästhetischer Sicht ist der bedeutendste Nebeneffekt jedoch in den wachsenden Debatten um die Museologie zu sehen. Der Louvre wurde 1793 als Zentralmuseum der Künste für die Öffentlichkeit zugänglich gemacht - ein Vorschlag, der bis ins Jahr 1765 zurückreicht -, aber es war immer noch ungewiss, ob es sich um eine Akademie von Meisterwerken oder einen umfassenden Überblick über die historische Entwicklung der Kunst handeln sollte. Aufgrund der revolutionären und napoleonischen KampagnenBerühmte Statuen wurden von Italien nach Paris gebracht (Belvedere Apollo, Medicis Venus, Laokoon, um nur die bekanntesten zu nennen), eine Politik, die Quatremère de Quincy bereits 1796 in seinen Briefen an Miranda kritisierte. Es ist dennoch der nationalistische Trend, der bei Vivant Denon zumindest von 1803 bis Waterloo vorherrschte.

Diese Tendenz wurde glücklicherweise durch eine starke Sorge um die Natur in ihren vielfältigen Bedeutungen ausgeglichen, eine Sorge, die Rousseau viel zu verdanken hat. Universalität wurde nun in Emotionen gesucht, zusammen mit der Übereinstimmung mit der Stimme der spontanen Impulse von Wesen. Sowohl in seiner Fiktion als auch in seinen philosophischen Schriften sprach sich Rousseau für Transparenz des Herzens und Klarheit der Kommunikation aus. Daher wurde Musik von ihm als ideales Medium angesehen, zumindest wenn sie der künstlichen Harmonie beraubt und zur singenden Melodie zurückgebracht wurde. Musik darf also nicht durch ein anspruchsvolles Orchesterkonzert oder eine Opernaufführung gedacht werden. Für Rousseau liegt das wahre Vorbild in beliebten Festivals, zum Beispiel zur Erntezeit, wenn die Teilnehmer einer nicht formierten Veranstaltung zu einer einzigen Gemeinschaft verschmelzen. Die musikalische Form, die für ein solches Ergebnis am besten geeignet ist, ist das Melodram, in dem das Stimmrezitativ mit einer instrumentalen Begleitung kombiniert wird (vgl. Den umständlichen Versuch von Pygmalion, ca. 1764). Tatsächlich ist diese intensive, wenn auch kurzlebige Situation das beste ungefähre Gegenstück zum universellen Willen, der seiner Theorie des Gesellschaftsvertrags zugrunde liegt. Wie auch immer, künstlerische Anliegen können weder aus konstruktiver noch aus kritischer Sicht von politischen und moralischen Verpflichtungen getrennt werden. Die Lebensqualität zu genießen wurde wichtiger als das Schaffen von Kunstwerken; Folglich wäre die überzeugendste Arbeit die richtige Anpassung des Lebens an unsere natürliche Umwelt. Dies erklärt die Relevanz der Beobachtung der Natur für Bildungszwecke (Emile, 1762) und eine echte Vorliebe für Botanik, die zu einer neuen Sichtweise auf Gärten führt. Britische Schriftsteller (seit Addison und Papst) hatten den Weg geebnet und den Landschaftsgarten als Materialisierung der Malerei in der Natur erfunden. Der Marquis de Girardin, der Baron de Monville und der Prinz von Ligne konkurrierten unter anderem mit ihren bekannten Modellen über den Kanal und reduzierten ihre Eigenschaften mit allen Symbolen des Malerischen, vom Gefühl des Primitivismus bis zum Bau falscher Ruinen.

Diese Reaktion mag dennoch etwas oberflächlich erscheinen. Der deutsche Sturm und Drang und die englische romantische Bewegung wollten die fragilen Lehren der Aufklärung wegfegen und die dunklen Nischen der menschlichen Seele enthüllen. Dies war eine Zeit des Niedergangs der französischen Kunst und Ästhetik, die durch die Isolation infolge zeitgenössischer Umwälzungen noch verschlimmert wurde. Man mußte warten, bis in den späten 19 - ^ten Jahrhundert eine wahre Erneuerung, um zu sehen, wenn Baudelaire die Statur von Delacroix etabliert und die Grundlagen einer Theorie der Moderne gelegt.

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